Sandro Botticelli - Natividad mística

Año 1501
Temple sobre tabla, 108,5 x 75 cm Londres, National Gallery
Movimiento artístico: Renacimiento italiano

De toda la producción conocida de Sandro Botticelli, esta es la única obra que el propio pintor firmó y fechó, un dato excepcional que por sí solo bastaría para convertirla en un documento fundamental de su biografía. La firma no aparece de forma discreta en una esquina, como sería habitual, sino integrada en una larga inscripción en griego situada en la parte superior de la tabla, un texto tan denso como enigmático que ha desconcertado a generaciones enteras de historiadores del arte.

La inscripción, traducida, viene a decir aproximadamente lo siguiente, «Este cuadro, a finales del año 1500, durante las turbulencias de Italia, yo, Alessandro, lo pinté en el tiempo medio después del tiempo, según el capítulo once de san Juan, en el segundo dolor del Apocalipsis, durante la liberación del Diablo por tres años y medio, después será encadenado en el capítulo doce y lo veremos como en este cuadro». Es un texto de una densidad simbólica extraordinaria, que mezcla la datación cotidiana de una obra de encargo con una lectura apocalíptica de la actualidad política a través del Libro del Apocalipsis de san Juan.

¿A qué turbulencias concretas se refería Botticelli? Las hipótesis más aceptadas apuntan a la invasión francesa de Italia, que había tomado Nápoles en 1494 y Milán en 1499, así como a la propia conflictividad interna que vivía Florencia en estos años, atravesada por tensiones políticas constantes tras la caída de los Médici. El mensaje apocalíptico de la inscripción refleja de manera muy directa las prédicas de Girolamo Savonarola, el fraile dominico cuyos sermones habían sacudido Florencia durante la década anterior con constantes referencias a los mismos capítulos del Apocalipsis que Botticelli cita aquí, aun cuando el propio Savonarola ya había sido ejecutado en 1498, tres años antes de que se pintara esta obra.

La composición mezcla de manera insólita los elementos tradicionales de una escena de Natividad con recursos iconográficos más propios de una representación del Juicio Final, dando lugar a una obra sin paralelo exacto en toda la pintura del Renacimiento italiano. Sobre el tejado de la humilde cabaña donde nace Cristo, tres ángeles se abrazan en una danza celestial, una imagen que los especialistas relacionan directamente con las propias prédicas de Savonarola sobre la Natividad, en las que la Virgen adorante aparecía acompañada por tres figuras femeninas personificando la Gracia, la Verdad y la Justicia.

En la parte inferior de la composición, pequeños demonios huyen despavoridos mientras ángeles de mayor tamaño abrazan a hombres arrepentidos, un contraste de proporciones que no responde a un error de perspectiva sino a una decisión simbólica deliberada. Esa reducción del tamaño de las figuras demoníacas frente a la magnitud de los ángeles parece expresar visualmente la idea de un regreso necesario a los valores más simples y esenciales de la fe cristiana, precisamente el mensaje central de la reforma religiosa que Savonarola había predicado con tanta vehemencia.

Pintada apenas un año antes de que Botticelli entrara en la última década de su vida, esta Natividad mística condensa como ninguna otra obra suya el clima de angustia escatológica y esperanza religiosa que definió la Florencia de finales del siglo XV, y constituye hoy, gracias precisamente a esa firma y fecha excepcionales, la única obra de todo su catálogo cuya cronología exacta no admite ninguna duda.

Resulta llamativo, además, el propio hecho de que Botticelli eligiera el griego, y no el latín o el italiano vernáculo, para redactar una inscripción de contenido tan personal y político. Esa elección lingüística remite al ambiente humanista y erudito en el que el pintor se había formado, familiarizado con las lenguas clásicas gracias a su contacto con los círculos intelectuales florentinos, y añade una capa adicional de solemnidad casi litúrgica a un mensaje que, de haberse escrito en lengua vulgar, habría resultado mucho más directo y menos cargado de autoridad simbólica.

La National Gallery de Londres, que conserva esta obra desde el siglo XIX, la considera con razón una de las piezas centrales de su colección de pintura italiana del Renacimiento, no solo por su extraordinaria calidad pictórica sino por el testimonio único que ofrece sobre el estado de ánimo de un gran artista enfrentado a un momento de profunda crisis colectiva. Pocas obras del periodo permiten acceder de manera tan directa a la voz personal del propio pintor, expresada literalmente con sus propias palabras sobre la superficie misma del cuadro.