Rembrandt - Niña y pavos muertos

Año Hacia 1636
Óleo sobre lienzo, 144 x 134,8 cm Amsterdam, Rijksmuseum. Firmado "REMBRANDT" (¿apócrifa?)

Con respecto al repertorio temático de Rembrandt, este cuadro, que perteneció originariamente a una familia de Ámsterdam, constituye una rara excepción.

Se trata de un cuadro de género, si bien resulta difícil adscribirlo a una modalidad precisa: difiere tanto del canon de la naturaleza muerta como del género de las escenas de cocina, que gozaron de gran éxito en la Holanda del siglo XVII. En un nítido encuadramiento formado por una ventana de piedra, una niña observa en actitud meditativa dos pavos muertos que dominan en primer plano. De los dos, uno está sobre una repisa y el otro está colgado por las patas de un gancho; completa la composición un cesto de fruta, semioculto por los cuerpos de los animales.

El pintor despliega gran habilidad en el tratamiento del plumaje de los pavos, describiendo los colores cambiantes y las distintas variedades de las plumas.

En las naturalezas muertas tradicionales, los elementos no son tan rigurosamente seleccionados sino multiplicados, diversificados y acumulados; además, no aparece nunca en ellas la figura humana. En las escenas de cocina holandesas, la naturaleza muerta sí se conjuga con la representación de personajes, pero estos son habitualmente lozanas mozas y no niñas absortas. A los dos géneros citados se aproxima, no obstante, esta obra por su significado simbólico, legible en diversos niveles.

El tema del pavo puede considerarse ante todo como un himno a la belleza de la creación y por tanto del poder divino; no falta, sin embargo, una alusión a la vanidad de las cosas terrenas, inevitablemente sujetas a la muerte y a la disolución. La pintura se fecha por su proximidad temática y estilística al cuadro conocido como Autorretrato con garza real, hoy en la Gemäldegalerie de Dresde, fechado en 1639; en él aparece Rembrandt en el atavío de un aristocrático cazador colgando de un garfio una garza real muerta.

Esta hibridación entre géneros, tan característica de la pintura holandesa del Siglo de Oro, refleja además la creciente sofisticación de un mercado artístico que exigía a los pintores constantes innovaciones dentro de categorías temáticas ya muy codificadas. La inclusión de la figura infantil, ajena tanto a la naturaleza muerta pura como a la escena de cocina convencional, permite a Rembrandt introducir una dimensión meditativa poco habitual en este tipo de composiciones, transformando lo que podría haber sido un simple ejercicio decorativo en una reflexión visual sobre la fugacidad de la existencia, tan propia del pensamiento calvinista de la Holanda de su tiempo.

El Rijksmuseum de Ámsterdam, institución que hoy custodia esta obra tan singular dentro del catálogo de Rembrandt, ha organizado en varias ocasiones exposiciones monográficas dedicadas específicamente a la pintura de género holandesa del siglo XVII, contexto en el cual esta pieza resulta especialmente valiosa por su carácter híbrido, difícil de encasillar dentro de las categorías temáticas habituales de la época pero perfectamente coherente con la constante búsqueda de originalidad que caracterizó toda la carrera del pintor de Leiden. Los especialistas en pintura de género holandesa señalan que este tipo de composiciones híbridas, difíciles de clasificar dentro de categorías rígidas, resultan hoy especialmente valiosas para entender la libertad creativa que los pintores más dotados de la época, como el propio Rembrandt, se permitían incluso dentro de géneros aparentemente muy codificados por la tradición. El propio formato cuadrado de este lienzo, poco habitual dentro de la producción de Rembrandt de estos años, refuerza además la sensación de encuadre casi fotográfico con que el pintor aísla esta escena doméstica de aire enigmático y contemplativo. Su rareza temática dentro del catálogo del pintor la convierte en pieza de estudio obligado para especialistas.