Pierre-Auguste Renoir - Mujer apoyada en el codo

Año 1917-1919
Óleo sobre lienzo, 23 x 32 cm París, Musée d'Orsay

Este cuadro, uno de los últimos experimentos pictóricos de Renoir, ya anciano y cada vez más obstaculizado en su trabajo diario por los dolores de una artritis progresivamente deformante, ofrece ideas de gran interés sobre el procedimiento artístico que el maestro desarrolló en sus últimos años de vida.

¿Cómo logra un pintor con las manos prácticamente paralizadas seguir modelando formas con tanta convicción? El esquema compositivo general de la obra se organiza en torno a un triángulo, formado por la propia silueta de la mujer representada, cuyos hombros y codo forman dos de los ejes principales de esta estructura geométrica, ocupando la mayor parte del espacio pictórico disponible en el reducido formato del lienzo.

El color predominante en toda la composición es, una vez más, el rojo, del cual se sirve el pintor durante estos años finales para representar tanto las rosas como las carnaciones femeninas o infantiles y la fruta madura, convirtiendo esta gama cromática en una auténtica firma personal de su producción tardía.

Con apenas unas pocas pinceladas de empaste especialmente espeso, Renoir logra modelar la imagen del rostro de esta mujer apoyada sobre su propio codo: el color, cada vez más pastoso en su factura, adquiere en esta obra tardía características casi táctiles, prácticamente de arcilla modelada, dado que el pintor, debido a la parálisis progresiva de gran parte de su cuerpo, ya no podía utilizar el pincel con la sutileza técnica típica de sus cuadros más célebres de décadas anteriores.

Desde 1913, además, a instancias directas de su marchante Ambroise Vollard, Renoir se dedicó de manera creciente a la experimentación con el propio lenguaje escultórico, en particular mediante los relieves que modelaba en colaboración con Richard Guino, joven alumno del escultor Aristide Maillol contratado precisamente para trasladar a tres dimensiones las indicaciones verbales del pintor.

Esta obra pictórica muestra hasta qué punto estas investigaciones escultóricas paralelas influyeron sobre la propia pintura de su último periodo, y viceversa: las esculturas resultantes son, en efecto, una auténtica traducción plástica de su obra pictórica previa, constituyendo el punto de llegada final, ya en el soleado escenario mediterráneo de Cagnes-sur-Mer, de una búsqueda constante de solidez formal y síntesis compositiva que se remonta directamente al llamado periodo agrio o ingresco de comienzos de la década de 1880.

Esta continuidad entre pintura y escultura durante los últimos años de la vida de Renoir demuestra que, incluso limitado físicamente de manera severa por la enfermedad, el pintor seguía buscando nuevas vías de expresión plástica capaces de renovar constantemente su propio lenguaje artístico personal.

Conservada hoy en el Musée d'Orsay de París, esta pequeña obra tardía constituye un testimonio conmovedor de la determinación creativa de un pintor que, pese a las severas limitaciones físicas impuestas por la enfermedad, nunca dejó de experimentar y de buscar nuevas soluciones formales hasta el final mismo de su larga vida artística.

Esta pequeña obra tardía, junto con otras composiciones similares de estos mismos años finales, documenta el proceso mediante el cual Renoir, pese a las severas limitaciones físicas impuestas por la artritis, seguía desarrollando nuevas soluciones técnicas para mantener viva su producción pictórica, apoyándose cada vez más en la densidad del color y en la simplificación formal como recursos compensatorios ante la pérdida de destreza manual. Esta pequeña obra tardía documenta, mejor que casi ninguna otra, la determinación del pintor pese a la enfermedad. El color denso sustituye aquí, con notable eficacia, a la precisión del dibujo que la artrosis ya le impedía trazar. Renoir siguió trabajando hasta prácticamente el último día de su vida, pese al dolor constante.