Pierre-Auguste Renoir - Mujer de negro

Año Hacia 1876
Óleo sobre lienzo, 63 x 53 cm San Petersburgó, Museo Estatal del Ermitage

En el centro de esta composición, Renoir sitúa el pálido rostro de una mujer desconocida, apenas vivificado por discretos toques de carmín en las mejillas y en los labios. Sobre la amplia superficie blanca del cuello resulta difícil distinguir con precisión el paso del mentón hacia el propio cuello, ambos pintados con una tonalidad cromática prácticamente idéntica.

¿Qué efecto buscaba Renoir al difuminar así los límites entre las distintas partes del rostro? La blancura de la piel de esta mujer está tratada mediante un modelado estudiado con esmero particular: dentro de la amplia obra de Renoir resulta frecuente que un rostro femenino adquiera este aspecto casi fragilísimo, comparable a la porcelana más delicada, un efecto que el pintor buscaba deliberadamente en numerosos retratos de estos mismos años centrales de su carrera.

La pintura, carente de efectos marcados de claroscuro en la zona del rostro, contrasta sin embargo notablemente con el toque veloz y alusivo con que Renoir indica el vestido, las mangas blancas y el pañuelo azul anudado al cuello, elementos que sugieren en su conjunto una pintura de ejecución prácticamente improvisada, derivada de una impresión visual momentánea captada con rapidez.

Igualmente desenvuelta y sumaria resulta la indicación del papel pintado de pared que se entrevé al fondo de la composición, decorado con flores de tono celeste sueltas sobre un fondo gris neutro. Según la técnica empleada, unas veces marcadamente sumaria y otras más descriptiva y atenta a los detalles concretos, Renoir parece llevar de la mano al propio contemplador, indicándole con precisión las partes de la composición que más han llamado su atención personal como pintor.

En este caso concreto, resultan especialmente destacados los ojos de la mujer, sus labios, las discretas joyas que luce y otros elementos como las elaboradas mangas del vestido, en las cuales quedan retenidos deliberadamente los rayos de luz que iluminan la escena. Para el resto de la composición, Renoir se limita a sugerir, a indicar apenas, sin recurrir a ningún dibujo previo ni a esquema preparatorio alguno concebido de antemano en su mente.

Una de las características principales del arte maduro de Renoir es, precisamente, esa extrema e instintiva libertad y felicidad a la hora de pintar, que transmite al espectador la impresión de encontrarse ante un pintor que experimenta un auténtico placer físico, que casi se divierte con su propio trabajo cotidiano frente al lienzo.

Esta capacidad para transmitir gozo pictórico incluso en obras de formato modesto y sujeto anónimo constituye uno de los rasgos más entrañables de toda la producción de Renoir durante la segunda mitad de la década de 1870, cuando el pintor había alcanzado ya un dominio técnico que le permitía experimentar con total libertad formal.

Conservada hoy en el Museo Estatal del Ermitage de San Petersburgo, esta pequeña obra constituye un testimonio delicado de la capacidad de Renoir para transformar el retrato de una desconocida en un pequeño ejercicio virtuoso de pura sensualidad cromática.

Esta obra, de formato reducido y factura aparentemente sencilla, ejemplifica perfectamente la capacidad de Renoir para transformar encargos aparentemente menores en pequeñas demostraciones de virtuosismo técnico, una habilidad que explicaría en gran medida la creciente demanda de sus retratos entre la clientela parisiense durante la segunda mitad de la década de 1870. Esta pequeña obra sigue siendo, pese a su formato modesto, un ejemplo notable del virtuosismo técnico de Renoir. La ligereza de la pincelada transmite además una espontaneidad que pocos retratos oficiales de la época lograban igualar. La modelo, cuya identidad exacta se desconoce hoy, permanece así asociada para siempre a esta obra.