Rembrandt - Historias de Diana
Año 1634
Óleo sobre lienzo, 73,5 x 93,5 cm Anholt, Museum Wasserburg Anholt. Firmado y fechado "REMBRANDT. FT. 1634"
Nada se sabe del origen de este cuadro, cuya primera noticia es su aparición en una subasta parisiense en 1774.
La composición es atípica con respecto a otros cuadros mitológicos de Rembrandt, de los cuales se diferencia por la cantidad de figuras, el tratamiento del paisaje y la elección de colores. Pero la originalidad de esta pintura es todavía más llamativa si se considera que constituye un auténtico unicum iconográfico. Ante el fondo de un luminoso paisaje modulado en tonos verdes y turquesa se sitúa el baño de Diana y sus ninfas, que aparecen en primer plano.
La idílica escena es turbada por dos acontecimientos dramáticos que tienen lugar en la orilla, a los lados del cuadro. A la izquierda irrumpe el joven cazador Acteón, que ve la desnudez de la diosa: la casta Diana lo castiga transformándolo en ciervo y haciendo que sus propios perros lo despedacen. A la derecha, las ninfas descubren la gravidez de Calisto, amada por Júpiter; según el mito, Diana castiga a Calisto, que había faltado al voto de castidad, convirtiéndola en oso y azuzando contra ella a sus perros.
Ambos episodios, que se cuentan en dos libros distintos de las Metamorfosis de Ovidio, son unidos por Rembrandt en una sola escena por primera vez. Para la ambientación y para algunos temas narrativos, el maestro se inspiró en grabados del Renacimiento italiano, en los cuales, con todo, ambos episodios eran tratados por separado. En el amplio paisaje, las figuras destacan por la luminosidad de las carnaciones y por la realista vivacidad de los gestos y actitudes, fruto de la original invención del maestro.
La unidad narrativa del conjunto está determinada por los movimientos y por las miradas de las figuras, que unen entre sí a los tres grupos de la composición. A la extrema izquierda, el detalle de los dos perros que pelean parece sugerir el trágico epílogo de los sucesos.
Esta fusión inédita de dos episodios ovidianos distintos en una sola composición demuestra la libertad creativa con que el joven Rembrandt, apenas instalado en Ámsterdam, se enfrentaba ya a la tradición iconográfica heredada, dispuesto a innovar incluso en un género tan codificado por siglos de representación pictórica como la mitología clásica. El Museum Wasserburg Anholt, pequeño castillo alemán que conserva esta obra excepcional, alberga una colección privada poco conocida fuera de los círculos especializados, lo que ha contribuido a que esta pintura permanezca relativamente menos estudiada que otras obras mitológicas más célebres de Rembrandt conservadas en grandes museos internacionales.
El propio Tiziano había abordado décadas antes el mismo episodio de Diana y Acteón en una de sus obras maestras venecianas, hoy en la National Gallery de Edimburgo, y resulta muy probable que Rembrandt conociera esta composición a través de copias grabadas, aunque el tratamiento holandés del tema, mucho más terroso y menos sensual que el veneciano, revela una sensibilidad completamente distinta ante el mismo mito clásico. Resulta significativo que Rembrandt eligiera representar precisamente el instante previo al castigo divino, cuando los perpetradores de la ofensa apenas comienzan a percibir las consecuencias de sus actos, un recurso narrativo de suspensión temporal que el pintor explotaría repetidamente a lo largo de toda su carrera en escenas bíblicas y mitológicas de contenido moral similar. Una obra que, pese a su relativa oscuridad museística, sigue fascinando a los especialistas por su atrevida síntesis narrativa sin precedente conocido. Rembrandt demuestra aquí, todavía muy joven, una ambición narrativa que superaba ampliamente las convenciones habituales de la pintura mitológica holandesa de su generación. Una rareza iconográfica que sigue sorprendiendo, casi cuatro siglos después, a quienes la descubren por primera vez.