Francisco de Goya - El pelele

Año 1792
Óleo sobre lienzo, 267 x 160 cm Madrid, Museo Nacional del Prado
Romanticismo

¿Qué ocurre cuando un juego inocente esconde algo más oscuro? El pelele de Francisco de Goya, pintado en 1792, parece a primera vista una escena festiva y alegre, pero guarda secretos que revelan la complejidad del genio aragonés. Esta obra forma parte de la última serie de cartones para tapices que el pintor realizó para decorar el despacho del rey Carlos IV. El encargo llegó en febrero de 1789, aunque Goya no comenzó a trabajar en él hasta mayo de 1791, presentando las cuentas finales en junio de 1792. La relación con el nuevo monarca distaba mucho del entendimiento que había logrado con Carlos III, y esto se notó en el proceso creativo.

El pelele muestra a cuatro jóvenes que, sujetando una sábana por los bordes, lanzan por los aires un muñeco de trapo. Este entretenimiento era popular durante las excursiones campestres de la aristocracia y tenía raíces en juegos carnavalescos tradicionales. La composición captura el momento exacto del vuelo del pelele, ese instante suspendido donde el muñeco parece cobrar vida propia antes de caer de nuevo. Las jóvenes, vestidas con trajes coloridos y llenas de vitalidad, refuerzan la apariencia de una escena alegre y despreocupada. Sin embargo, la sonrisa fija y antinatural del pelele, con su rostro inerte y desprovisto de expresión, introduce un matiz inquietante que contrasta con la alegría aparente de las muchachas.

El significado de esta obra va más allás de lo aparente. ¿Es simplemente una escena costumbrista o esconde una crítica social? Muchos expertos ven en El pelele una alegoría satírica de la Fortuna, o, más concretamente, una representación de las mujeres que manipulan al hombre como si fuera un títere. Esta interpretación cobra fuerza si consideramos que Goya exploraría temas similares en Los Caprichos, donde varias estampas muestran a jóvenes que, aconsejadas por viejas alcahuetas, despluman a hombres ingenuos. La imagen del pelele, inerte y sin voluntad, puede ser una metáfora de la condición humana, sometida a las caprichosas corrientes de la sociedad y la política. ¿No es acaso el pelele una figura que, a pesar de su aparente libertad, está completamente a merced de quienes lo manejan?

Lo verdaderamente inquietante es la sonrisa fija y antinatural del pelele, ese vuelo invertebrado y sin vida que contrasta con la alegría aparente de las muchachas. Este matiz de cinismo e inquietud anticipa las obras más oscuras que Goya crearía años después. No es casualidad que el pintor introduzca esta nota perturbadora en lo que debería ser una escena alegre y campestre, siguiendo las indicaciones reales de crear temas campestres y alegres. A través de este detalle, Goya ya comienza a mostrar su capacidad para cuestionar y desafiar las normas establecidas, anticipándose a su etapa más crítica y reflexiva.

Desde el punto de vista técnico, la obra demuestra el dominio absoluto de Goya en el género del cartón para tapiz. La paleta de colores, la composición dinámica y el tratamiento de las figuras revelan a un artista en plena madurez creativa. Las cuatro jóvenes están dispuestas de forma que guían la mirada del espectador hacia el centro de la acción, mientras que el pelele, con su sonrisa grotesca, se convierte en el verdadero protagonista de la escena. La técnica del óleo sobre lienzo permite a Goya capturar con gran detalle la textura de las telas, la luz del sol y el movimiento de las figuras, creando una sensación de inmediatez y realismo. La dimensión de 267 x 160 cm acentúa la presencia de la obra, haciendo que el espectador se sienta inmerso en la escena.

Un detalle curioso: algunos estudiosos han identificado una posible fuente figurativa en un grabado de Vida y hechos del pícaro Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán, la célebre novela picaresca del siglo XVII. Esta conexión literaria añade otra capa de significado a la obra, vinculándola con la tradición crítica de la literatura española. La inclusión de elementos literarios en la pintura no es casual, sino que refuerza la intención de Goya de llevar a cabo una crítica social más profunda y sutil.

El pelele es importante porque marca la transición entre el Goya pintor de la corte y el Goya más crítico y oscuro. Representa el final de una etapa y el comienzo de otra, donde la sátira social y la visión pesimista de la humanidad tomarán protagonismo absoluto. La obra se conserva en el Museo del Prado de Madrid y sigue siendo una de las piezas más estudiadas de su producción tardía. ¿Por qué sigue fascinando esta pintura hoy? Porque nos muestra cómo Goya fue capaz de transformar un encargo real aparentemente inocuo en una reflexión profunda sobre las relaciones de poder, el género y la manipulación. El pelele, con su sonrisa vacía, nos interpela directamente y nos hace cuestionar quién mueve los hilos en nuestra propia vida. En un mundo donde las estructuras de poder y las relaciones interpersonales siguen siendo complejas y cambiantes, El pelele sigue siendo relevante y provocativo, invitándonos a reflexionar sobre nuestras acciones y decisiones.