Bartolomé Esteban Murillo - San Bernardo y la Virgen
Año 1650 a 1655
Óleo sobre lienzo, 311 x 249 cm Madrid, Museo del Prado
Murillo alternaba con frecuencia los cuadros de figura aislada, tan característicos de su producción más popular, con lienzos de gran ambición compositiva como este, destinado a un espacio devocional de considerable importancia. La escena representa el momento en que la Virgen se aparece a san Bernardo de Claraval para ofrecerle su propia leche como premio milagroso a la defensa que el santo había realizado de la doctrina mariana a través de sus numerosos escritos y sermones laudatorios.
¿Para qué espacio concreto se pintó una obra de tales dimensiones? Por el tema representado y por sus considerables proporciones, resulta muy probable que se tratara de un cuadro de altar destinado a un convento cisterciense, emparejado originalmente con otra obra de Murillo, La imposición de la Casulla a San Ildefonso, de temática y proporciones similares. Ambas obras aparecen citadas en 1746 en el inventario del Palacio de La Granja, en Segovia, formando parte de la colección personal de la reina Isabel de Farnesio, un dato que sugiere que fueron adquiridas por la propia soberana durante los años que pasó residiendo en Sevilla.
La sencillez compositiva general del lienzo, combinada sin embargo con una notable monumentalidad y una iluminación fuertemente contrastada, permite situar cronológicamente esta obra en torno a la década de 1650, un periodo especialmente fecundo dentro de la producción religiosa de Murillo en su Sevilla natal.
El lienzo se organiza a partir de una diagonal que lo divide con absoluta claridad en dos ámbitos claramente diferenciados: uno celestial, formado por la Virgen con el Niño y un cortejo de numerosos ángeles que la acompañan, y otro terrenal, que conforma la austera celda del monje, con su mesa de trabajo, el libro abierto, la jarra con azucenas y una modesta librería al fondo. En primer término, Murillo introduce además un hermoso bodegón compuesto por libros y un báculo episcopal, símbolo de la dignidad de obispo que el propio san Bernardo rehusó aceptar en varias ocasiones a lo largo de su vida.
El llamado rompimiento de gloria, la apertura celestial por la que aparece la Virgen rodeada de ángeles, es el de mayor amplitud pintado por el artista hasta ese momento de su carrera, y anuncia no solo el magnífico celaje de ángeles que Murillo realizaría pocos años después en su San Antonio con el Niño de la catedral de Sevilla, sino también todos los celajes angelicales que rodearán posteriormente sus célebres representaciones de la Inmaculada Concepción, uno de los temas más repetidos y admirados de toda su producción tardía.
En esta composición, los ángeles revolotean formando un círculo armonioso alrededor de la Virgen, cuyo manto ondea de manera ampulosa creando un efecto marcadamente barroco y dinámico que contrasta deliberadamente con la quietud casi monástica de la escena terrenal. Tanto el santo como el Niño parecen inspirarse en modelos artísticos previos bien establecidos, mientras que el rostro de la Virgen presenta esas características facciones a medio camino entre el naturalismo elegante y una cierta idealización devocional que definirán el estilo maduro de Murillo.
Conservada hoy en el Museo del Prado de Madrid, esta obra permite apreciar con claridad la maestría de Murillo para combinar en una sola composición la intensidad emocional de lo devocional con una elegancia formal que explicaría en gran medida el enorme éxito posterior de su pintura religiosa en toda Europa.
Esta obra, junto a su pareja dedicada a San Ildefonso, permite apreciar cómo Murillo adaptaba el mismo repertorio compositivo de gloria celestial y escena terrenal a distintos episodios de la tradición hagiográfica cristiana, consolidando un modelo iconográfico que sería después ampliamente imitado por generaciones posteriores de pintores religiosos sevillanos formados directamente en su taller.