José de Ribera - La Adoración de los pastores

Año 1640
Óleo sobre lienzo, 226 x 317 cm El Escorial (Madrid), Monasterio de San Lorenzo
Movimiento artístico: Barroco

«La Natividad de Nuestro Redentor, bellísimo y gran cuadro de Jusepe de Ribera... bastaba él solo para honrar la sala». Con estas palabras describió el Padre Francisco de los Santos, cronista de El Escorial, la impresión que le causó este lienzo en 1681, cuando lo contempló entre otros veintitrés cuadros expuestos en el monasterio. Casi tres siglos y medio después, la valoración sigue siendo justa: esta Adoración de los pastores es una de las cumbres indiscutibles de la producción de José de Ribera en la década de 1640, el periodo de madurez más brillante de toda su carrera napolitana.

La obra llegó probablemente a las colecciones reales por el mismo camino que otros dos grandes lienzos del pintor, Jacob y el rebaño de Labán y El sueño de Jacob: perteneció originalmente al duque de Medina de las Torres, virrey de Nápoles, quien la regaló al rey de España como parte de ese generoso intercambio de obras maestras que tantas veces vinculó a los virreyes napolitanos con la corte madrileña. ¿Qué mejor manera tenía un virrey de demostrar su lealtad y su gusto artístico que enviar a Madrid las mejores pinturas encargadas durante su gobierno? Esta práctica, habitual en el siglo XVII, explica por qué tantas obras maestras de la pintura napolitana barroca terminaron formando parte de las colecciones reales españolas, lejos del contexto original para el que fueron concebidas.

La composición organiza a los personajes en torno al núcleo central formado por la Virgen y el Niño, bañados por la fuente de luz principal de la escena. A la izquierda, un pastor sostiene una oveja entre los brazos, mientras al fondo se distinguen un asno y otros dos pastores, uno de ellos tocando una zampoña, instrumento popular que introduce en la escena sagrada un aire de música campesina auténtica, casi costumbrista. A la derecha, un anciano barbudo se arrodilla en adoración ante el recién nacido, junto a una anciana que porta un cestillo con dos palomas, ofrenda ritual que remite directamente al relato evangélico de la presentación en el Templo. Más atrás, apoyado en una piedra, san José contempla toda la escena con una expresión de serenidad contenida, testigo discreto de un misterio que la propia composición sitúa deliberadamente en un segundo plano de protagonismo.

Lo que distingue a esta Natividad de tantas otras versiones del tema tan frecuentes en el arte barroco es la manera en que Ribera equilibra, sin fisuras, el sentimiento religioso más profundo con la observación minuciosa de lo cotidiano: los rostros curtidos de los pastores, las texturas de sus ropas humildes, la naturalidad casi doméstica de sus gestos de adoración, todo ello construido con el mismo realismo agudo que el pintor había aplicado durante toda su carrera a filósofos harapientos y mártires torturados, aplicado ahora a una escena de ternura y esperanza colectiva.

El lienzo ha llegado hasta nuestros días en un estado de conservación no siempre óptimo, con pérdidas de pintura original que generaciones anteriores de restauradores intentaron disimular con repintes poco respetuosos con la técnica original del artista. Una intervención de restauración más reciente, sin embargo, ha logrado eliminar buena parte de esos repintes, devolviendo a la luz fragmentos de una calidad pictórica extraordinaria que confirman, una vez más, el juicio entusiasta del Padre de los Santos: pocas Natividades del Barroco español logran combinar con tanta armonía la grandeza del misterio sagrado y la calidez profundamente humana de quienes acuden a contemplarlo.

El gran formato horizontal del lienzo, más de tres metros de ancho, permitió a Ribera desplegar un elenco numeroso de figuras sin que la composición perdiera nunca claridad ni jerarquía visual: el ojo del espectador llega siempre, de manera natural, al Niño recién nacido, punto de convergencia de todas las miradas pintadas dentro del cuadro y, por extensión, de la mirada de quien lo contempla desde fuera. Esa capacidad de organizar una escena coral sin sacrificar la intimidad del misterio central es, quizá, el logro técnico más admirable de esta Adoración, y explica por qué generaciones de visitantes de El Escorial, desde el propio Padre de los Santos hasta el espectador de hoy, han coincidido en señalarla como una de las piezas más memorables de todo el monasterio.