José de Ribera - La visión de Baltasar

Año 1635
Óleo sobre lienzo, 52 x 64 cm Milán, Palacio Arzobispal
Movimiento artístico: Barroco

De la oscuridad más absoluta emerge una mano. Nada más: ni rostro, ni cuerpo, ni ángel visible que la sostenga, solo una mano real, de carne, que proyecta una sombra perfectamente definida sobre el muro mientras traza en él tres palabras que ningún sabio de la corte sabrá interpretar. Con esta economía de medios casi cinematográfica, José de Ribera resolvió en 1635 uno de los episodios más extraños y fascinantes del Antiguo Testamento: el festín de Baltasar.

La historia, narrada en el capítulo quinto del Libro de Daniel, cuenta que Baltasar, rey de los caldeos, había organizado un gran banquete en su palacio y, en un gesto de soberbia que la tradición bíblica nunca perdona, ordenó utilizar como copas para el vino los cálices sagrados que su padre, Nabucodonosor, había arrebatado años antes al templo de Jerusalén. En pleno festejo, sin previo aviso, apareció la mano de un hombre que escribió en la pared cuatro palabras en arameo: MENE, MENE, TEKEL, UPHARSIN, es decir, «contado, contado, pesado, dividido». Ninguno de los astrólogos ni sabios babilonios convocados con urgencia fue capaz de descifrar el mensaje, ni siquiera con la generosa recompensa que ofrecía el rey -la tercera parte de su reino- como incentivo. ¿Quién podía entonces leer la sentencia escrita por una mano invisible? Solo Daniel, profeta ya anciano que había servido en la corte del propio Nabucodonosor, y a quien la reina, en un rapto de memoria providencial, recordó justo a tiempo.

Daniel explicó al rey que aquel mensaje era en realidad una condena: Dios había examinado su reino y le había puesto fin, Baltasar había sido pesado en la balanza y hallado indigno, y su imperio sería repartido entre medos y persas. Aquella misma noche, cuenta el relato bíblico, Baltasar fue asesinado, y Darío, rey de los medos, se apoderó de su reino sin resistencia. Una lección de castigo divino fulminante que la iconografía cristiana no dejó de representar a lo largo de los siglos, siempre como advertencia contra la soberbia de los poderosos.

Lo verdaderamente singular de esta versión de Ribera es su radical contención formal. Frente a la tradición más habitual, que prefería representar el banquete completo, abarrotado de comensales, músicos y vajilla de lujo -como haría, apenas unos años después, Rembrandt en el célebre lienzo hoy conservado en la National Gallery de Londres-, Ribera opta por concentrar toda la fuerza dramática del episodio en un único instante de pura alucinación visual: la mano surgiendo de una nube de humo, tratada con tanto realismo que su sombra se proyecta con precisión casi fotográfica sobre la pared, como si el propio milagro tuviera peso físico y presencia tangible en el espacio.

Esta capacidad de reducir un relato bíblico complejo a su núcleo emocional más puro, prescindiendo de todo el aparato narrativo secundario, es una de las marcas distintivas del Ribera más maduro, el que hacia 1635 dominaba ya con absoluta libertad tanto los grandes formatos devocionales como, como en este caso, los lienzos de pequeño tamaño destinados probablemente a la devoción privada de un coleccionista culto. Conservado hoy en el Palacio Arzobispal de Milán, este pequeño cuadro demuestra que la grandeza de una escena no depende de sus dimensiones, sino de la precisión con que el pintor sepa elegir, de entre todo un relato, el único instante que realmente importa.

El formato reducido del lienzo invita además a pensar en un tipo de circulación muy distinta a la de los grandes encargos de altar que ocupaban buena parte de la producción napolitana de Ribera en estos mismos años. Piezas de esta escala, pensadas para colgar en el gabinete privado de un coleccionista y no para presidir una capilla pública, permitían al pintor experimentar con soluciones más audaces y personales, sin las exigencias de decoro y claridad narrativa que imponía un encargo eclesiástico de gran formato. En ese sentido, esta Visión de Baltasar funciona casi como un ejercicio de estilo: la demostración de que el propio Ribera, maestro indiscutible del claroscuro, podía construir una escena entera de intensa carga simbólica apoyándose en un solo foco de luz, una sola sombra y un solo gesto suspendido en el aire.