Claude Monet - Nenúfares

Año 1917-19
Óleo sobre lienzo,  Honolulu Museum of Art.

Monet fue un artista que produjo, a lo largo de toda su vida, un número enorme de pinturas que ejecutaba con extraordinaria regularidad, sin obtener por ello autocomplacencia alguna y mostrando casi siempre una profunda insatisfacción con sus propios resultados. Cada nuevo cuadro hacía surgir en él nuevas dudas y conflictos, pero también nuevas ideas y estímulos para seguir trabajando sobre el mismo motivo, una y otra vez, hasta encontrar la solución que buscaba.

Cuando terminaba un estudio del natural y lo llevaba a su estudio de Giverny, no conseguía apartarse fácilmente de él, pues aún no lo consideraba perfecto. Seguía, pues, retocando los cuadros durante días y a veces semanas enteras. Lo que descubre al final de ese proceso es que lo que busca ya no está exactamente en la naturaleza observada, sino en la propia concreción del hecho pictórico, en la materia misma del color depositada sobre el lienzo.

Estos nenúfares pertenecen a la última gran serie de la carrera de Monet, pintada en el estanque de su jardín de Giverny, que el propio artista había transformado desde 1893 desviando un pequeño curso de agua y construyendo el célebre puente japonés que aparece en tantas otras composiciones de esta misma etapa. Desde comienzos de la década de 1910, sin embargo, Monet empezó a sufrir un progresivo deterioro de la vista a causa de cataratas, una dolencia que alteraba su percepción de los colores y que le llevó, en sus últimas series, a emplear tonalidades cada vez más rojizas y anaranjadas, hasta que finalmente se sometió a una operación quirúrgica en los años veinte.

Pese a esta dificultad física, o quizá precisamente a causa de ella, estas últimas series de nenúfares alcanzan un grado de libertad cromática y de disolución de la forma que muchos historiadores del arte han relacionado directamente con la pintura abstracta que se desarrollaría décadas más tarde, convirtiendo a un Monet ya anciano en un precursor involuntario de corrientes artísticas muy posteriores a su propia muerte.

En los colores mismos hay, de hecho, un potencial casi independiente de lo observado: que Monet no llegara nunca a reconocer de manera explícita el valor no figurativo de sus últimas obras no excluye que, al contemplarlas hoy, percibamos precisamente lo contrario. Su investigación se había hecho, en ciertos aspectos, muy cercana a la de su colega Paul Cézanne, que también, partiendo de una observación obsesiva de la naturaleza, había terminado por trascenderla casi por completo.

Conservado en el Honolulu Museum of Art, este lienzo permite apreciar, en su vibrante superficie de agua y reflejos, el testamento pictórico de uno de los fundadores del impresionismo en el umbral mismo de la abstracción moderna.

En sus últimos años, Monet llegó a planear un ambicioso proyecto de decoración mural con grandes paneles de nenúfares, concebido como un espacio de contemplación casi meditativa para el visitante, un proyecto que se materializaría finalmente en las dos salas ovaladas del Musée de l'Orangerie de París, inauguradas apenas unos meses después de su muerte en 1926. Aquel conjunto final, de dimensiones monumentales, representa la culminación de toda una vida dedicada a la observación paciente de un único rincón de jardín.

La comparación con Cézanne, aunque ambos pintores partieron de presupuestos técnicos muy distintos, sirve para entender un fenómeno más amplio de la pintura de finales del siglo XIX y comienzos del XX: la observación cada vez más obsesiva de un motivo limitado terminaba paradójicamente por disolver la propia representación fiel de ese motivo, abriendo así, sin proponérselo del todo, el camino hacia la abstracción que dominaría buena parte del arte del siglo siguiente.