José de Ribera - Duelo entre mujeres

Año 1636
Óleo sobre lienzo, 235 x 212 cm Madrid, Museo Nacional del Prado
Movimiento artístico: Barroco

Dos mujeres se enfrentan a espada y escudo, con la misma seriedad marcial con que se representaba a los gladiadores en el arte clásico. No es una alegoría, ni un episodio mitológico: según la tradición napolitana, este cuadro recrea un suceso real ocurrido en la ciudad en 1552, cuando Isabella di Carazzi y Diambra di Pettinella se retaron en duelo, ante la mirada del marqués del Vasto, por el amor del mismo hombre, un tal Fabrizio di Zeresola.

Que dos mujeres se batieran en duelo, con armas y en público, era algo tan excepcional en la sociedad del siglo XVI que el episodio siguió comentándose en Nápoles durante generaciones, hasta convertirse en una de esas anécdotas urbanas que ningún cronista quería dejar de mencionar. ¿Qué fascinaba tanto a los napolitanos de este suceso? Probablemente la misma cosa que fascina hoy al espectador frente al lienzo: la inversión radical de un código de honor -el duelo por amor- reservado casi siempre a los hombres, trasladado aquí sin la menor ironía a dos protagonistas femeninas tratadas con toda la gravedad heroica del género.

Ribera organiza la composición en dos planos claramente diferenciados: en primer término, las dos combatientes, resueltas en volúmenes rotundos y casi escultóricos, con esa solidez de bulto redondo que recuerda directamente a los relieves romanos de combates de amazonas; al fondo, un grupo de espectadores masculinos, pintado con una factura más suelta y pictoricista, que observa el duelo apoyado en un cercado, sin intervenir en ningún momento para detenerlo. El pintor elige representar el instante culminante del enfrentamiento: la mujer de la izquierda yace ya herida en el cuello, tendida en el suelo, sosteniendo el escudo en un último gesto desesperado para protegerse del golpe final que su rival está a punto de asestarle. Es significativo que Ribera reparta de forma tan desigual la simpatía visual entre ambas: a la perdedora la dota de una belleza y una feminidad delicadas, casi trágicas, mientras que a la vencedora, envuelta en un manto anaranjado, la representa como una figura maciza, poderosa, deliberadamente desprovista de gracia.

A un lado de la escena, un hombre con toga observa impasible el desenlace -tal vez una alusión al propio marqués del Vasto, aunque algunos historiadores han señalado que este noble llevaba ya varios años muerto en la fecha del supuesto duelo, lo que complica cualquier identificación literal del personaje- y junto a él otro hombre de mayor edad completa el grupo de testigos silenciosos. Ninguno de los dos mueve un dedo por frenar el desenlace fatal, una pasividad que añade una capa adicional de crueldad a toda la escena.

El cuadro se enmarca, además, dentro de un proyecto artístico mucho más amplio: formó parte de un ciclo de más de treinta lienzos dedicados a episodios de la historia de Roma y Nápoles, encargado a varios de los pintores más destacados de la época, entre ellos Giovanni Lanfranco y Domenichino, además del propio Ribera. La monumentalidad de la composición y el tratamiento casi escultórico de las dos protagonistas, vestidas con paños de inspiración clásica romana, refuerzan esta lectura: más que un simple episodio anecdótico, Ribera parece querer elevar el suceso napolitano a la categoría de leyenda heroica, digna de figurar junto a los grandes combates de la Antigüedad.

Algunos estudiosos han preferido, de hecho, una lectura más simbólica que estrictamente histórica, viendo en el enfrentamiento una alegoría del combate entre el Vicio y la Virtud, tan del gusto moralizante del Barroco, más que la ilustración literal de un suceso concreto. Sea cual sea la clave de lectura correcta, lo cierto es que Ribera, pintor conocido sobre todo por sus mártires y sus filósofos harapientos, demuestra aquí una faceta menos explorada de su talento: la de narrador de historias profanas, capaz de dotar de la misma dignidad trágica tanto al sufrimiento de un santo como al orgullo herido de dos mujeres dispuestas a matarse por amor, sin que en ningún momento el tema, tan insólito, le hiciera perder el control absoluto sobre la anatomía, la luz y la tensión dramática que caracterizan toda su obra.