Francisco de Goya - Lucha a garrotazos

1820-1821
Óleo sobre pared, trasladado a lienzo, 123 x 266 cm Madrid, Museo Nacional del Prado

Se trata de una de las llamadas Pinturas negras que Goya realizó directamente sobre los muros de la planta primera de la Quinta del Sordo, su residencia a las afueras de Madrid en los últimos años de su vida. La obra se encuentra considerablemente estropeada por haber sido arrancada de la pared original mediante una técnica de traslado bastante rudimentaria para la época, lo que ha provocado notables pérdidas y lagunas de color en toda su superficie.

¿Por qué eligió Goya un tema aparentemente costumbrista para decorar los muros de su propia casa? La comparación entre las fotografías tomadas antes de proceder al traslado sobre lienzo y los exámenes radiográficos posteriores han confirmado que las figuras representadas se han quedado casi transparentes en algunas zonas, y han perdido por completo las piernas por debajo de las rodillas durante el propio proceso de traslado. Todas las pinturas de la Quinta del Sordo, unas en mayor medida que otras, han sufrido esta misma suerte de resultar gravemente dañadas tanto durante el proceso de extracción como en la posterior restauración de la época.

Existe efectivamente una indicación de carácter costumbrista en esta escena, representada por la pervivencia, todavía en tiempos de Goya, de peleas semejantes en las regiones de Cataluña y Aragón, disputas igualmente libradas a garrotazos y que solían terminar con la muerte de uno de los dos contendientes enfrentados.

Naturalmente, a Goya no le interesaba el folclore regional por sí mismo, ni siquiera cuando resultaba tan cruento como en este caso concreto: la elección de este tema se convierte, bajo su pincel, en algo profundamente simbólico y monumental. En el silencioso y profundo anfiteatro formado por las sierras del fondo, los dos hombres representados libran una lucha feroz y prácticamente ritual, golpeándose mutuamente con una indiferencia casi mecánica, impulsados aparentemente por un mecanismo ancestral de destrucción recíproca que trasciende con mucho la anécdota costumbrista concreta.

Esta capacidad de Goya para transformar una riña rural, un tema aparentemente menor y localista, en una reflexión universal sobre la violencia humana constituye uno de los rasgos más característicos de las Pinturas negras en su conjunto, un ciclo pictórico realizado ya en los últimos años de vida del artista, marcados por el pesimismo creciente ante los acontecimientos políticos de la España de su tiempo y por el deterioro progresivo de su propia salud.

El escenario desértico y prácticamente atemporal en que Goya sitúa la escena, sin ningún elemento que permita identificar con precisión el lugar ni el momento exacto de la disputa, refuerza esta lectura simbólica: los dos combatientes, hundidos hasta las rodillas en un terreno pantanoso que les impide huir o esquivar los golpes del contrario, parecen condenados a perpetuar indefinidamente su lucha mutua, incapaces de escapar del ciclo de violencia que ellos mismos han desatado.

Conservada hoy, tras su traslado a lienzo, en el Museo Nacional del Prado de Madrid, esta obra forma parte del ciclo completo de las Pinturas negras, uno de los conjuntos más radicales y perturbadores de toda la pintura europea del siglo XIX.

El conjunto completo de las Pinturas negras, del cual forma parte esta escena de violencia rural, revela un Goya profundamente pesimista respecto a la naturaleza humana, una visión forjada tras décadas de observación directa de la violencia política y social que había asolado España durante la Guerra de la Independencia y los turbulentos años del reinado absolutista de Fernando VII. La violencia representada, pese a su origen costumbrista, adquiere aquí una dimensión casi universal y atemporal. El propio traslado a lienzo, ejecutado con técnica todavía imperfecta, explica buena parte del deterioro visible hoy.