El Greco - La Última Cena

Año 1567-1570
Óleo sobre tabla, 42,4 x 51 cm Bolonia, Pinacoteca Nazionale
Movimiento artístico: Manierismo

Esta pequeña tabla, hoy en la Pinacoteca Nazionale de Bolonia, permaneció durante generaciones en una colección privada milanesa sin que nadie reconociera en ella la mano de El Greco, hasta que la crítica la atribuyó definitivamente al pintor en la segunda mitad de la década de 1940, algo más de una década antes de que ingresara en las colecciones públicas bolonesas. La obra no lleva firma, un rasgo que dificultó durante años su correcta identificación, pero las comparaciones estilísticas con otras piezas seguras de la etapa veneciana del pintor terminaron disipando cualquier duda razonable.

Cristo ocupa el centro de uno de los lados de una gran mesa cuadrada, rodeado por los apóstoles, en una estancia definida por un pavimento ajedrezado resuelto en perspectiva y un pesado cortinaje verde que cae desde el techo. La luz entra desde la izquierda e inunda toda la escena, un recurso lumínico que la crítica ha relacionado directamente con otras obras tempranas del pintor, la tipología del propio Cristo recuerda a la del Padre Eterno en la escena de Adán y Eva del Tríptico de Módena, mientras que algunas figuras secundarias evocan a personajes de la Adoración de los Reyes conservada en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid.

¿En qué modelos concretos se inspiró Doménikos para esta composición? Todo indica que el joven pintor cretense tenía presentes escenas análogas de Tiziano, Jacopo Bassano y Tintoretto, conocidas probablemente a través de los grabados de Marcantonio Raimondi que circulaban con profusión en los talleres artísticos de la época. Las afinidades iconográficas con la Última Cena que Tintoretto había pintado en 1547 para la iglesia veneciana de San Marcuola resultan especialmente llamativas, el tipo de pavimento, el escabel bajo la mesa, la postura de varias figuras, sobre todo la del apóstol que da la espalda al espectador, un recurso compositivo que Doménikos parece tomar prácticamente en préstamo.

Existe además una segunda fuente de inspiración probable, otra Última Cena de Tintoretto, pintada en Venecia en 1559 y expuesta hasta 1818 en la iglesia de San Felice antes de trasladarse definitivamente a la iglesia parisina de Saint-François-Xavier. Es muy posible que El Greco tuviera ocasión de contemplar esa obra directamente durante su estancia veneciana, en un momento en que la ciudad ofrecía al joven pintor cretense un catálogo prácticamente inagotable de soluciones compositivas para los grandes temas sagrados que él mismo empezaba a explorar.

Como en tantas otras obras de este primer periodo, la crítica coincide en reconocer en esta tabla a un pintor formado en la tradición bizantina que avanza decididamente hacia la pintura occidental, y en particular hacia el lenguaje veneciano, sin abandonar del todo cierta rigidez compositiva heredada de su formación inicial en Creta. Se desconoce quién encargó esta pequeña obra, aunque las reducidas dimensiones del panel sugieren con bastante probabilidad un comitente privado, interesado en una imagen devocional de tamaño manejable más que en un gran retablo destinado al culto público.

El tema de la Última Cena, con su combinación de intimidad doméstica y trascendencia sacramental, ofrecía a un pintor todavía en formación un excelente terreno de experimentación compositiva, exigía organizar un número relativamente elevado de figuras alrededor de un único punto focal, el gesto de Cristo instituyendo la Eucaristía, sin perder la individualidad expresiva de cada apóstol. Doménikos resuelve ese reto con una disposición que, aun deudora de los modelos venecianos que tenía a la vista, ya muestra indicios de la libertad compositiva y del interés por la luz dramática que definirían su producción futura.

Contemplada hoy en Bolonia, lejos de los grandes circuitos turísticos dedicados a la obra madura del pintor en Toledo, esta pequeña Última Cena permite reconstruir con precisión el itinerario artístico que llevó a un icono cretense a convertirse, en apenas una década, en uno de los pintores más personales de la Europa moderna, un proceso de transformación que estas obras tempranas documentan paso a paso con un detalle que las grandes composiciones toledanas, ya plenamente maduras, tienden a ocultar bajo la fuerza de un estilo completamente asentado.