Sandro Botticelli - Pruebas de Moisés

Año 1481-1482
Pintura mural, 348,5 x 558 cm Ciudad del Vaticano, Capilla Sixtina
Movimiento artístico: Renacimiento italiano

Frente a la Tentación de Cristo, en la pared opuesta de la Capilla Sixtina, Botticelli desarrolló este fresco dedicado a la juventud de Moisés, concebido por expreso encargo del papa Sixto IV como parte de un programa iconográfico que buscaba establecer paralelismos sistemáticos entre el Antiguo y el Nuevo Testamento. Junto a Botticelli, el pontífice convocó también a Perugino, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli, cada uno responsable de distintas escenas del mismo ciclo, mientras que a Sandro se le atribuyen tres grandes historias además del dibujo, y en algunos casos la ejecución directa, de once retratos de papas.

Lo más notable de este fresco es su extraordinaria densidad narrativa. Botticelli logra integrar hasta siete episodios distintos de la juventud de Moisés, tomados del libro del Éxodo, dentro de una sola composición unificada por el paisaje, organizándolos en planos separados para que la lectura resulte lo más clara posible pese a la acumulación de escenas. Abajo a la derecha, Moisés mata al egipcio que maltrataba a un joven hebreo y huye de espaldas hacia el desierto, en el centro expulsa a los pastores que habían agredido a las hijas de Jetró y les ayuda a sacar agua del pozo, arriba se descalza antes de aproximarse a la zarza ardiente, y abajo a la izquierda guía finalmente a su pueblo hacia la Tierra Prometida.

¿Cómo consigue el espectador seguir un relato tan fragmentado sin perderse? La clave está en la propia figura de Moisés, vestido con una túnica amarilla y un manto verde que lo hace reconocible de inmediato en cada uno de los episodios, actuando como hilo conductor visual que guía la mirada de una escena a otra. Es una solución narrativa muy inteligente, heredera de una larga tradición de pintura continua que Botticelli domina con una naturalidad sorprendente.

El fresco revela además una atenta cultura visual clásica y contemporánea. En el momento en que Moisés se descalza ante la zarza ardiente, Botticelli cita directamente una escultura antigua muy admirada en su época, el Espinario, adoptando la misma postura del joven que se extrae una espina del pie. Los estudiosos han detectado también una huella profunda de las obras de Lorenzo Ghiberti, en particular de la Puerta del Paraíso del Baptisterio de Florencia, cuya composición se repite aquí de manera evidente, así como el característico entrecruzamiento de líneas oblicuas de las colinas con las líneas verticales de los árboles del paisaje.

Las hijas de Jetró, representadas junto al pozo, están resueltas con una belleza formal que las emparenta tipológicamente con las futuras Tres Gracias de la Primavera, otra prueba más de cómo Botticelli aprovechaba cualquier encargo, por condicionado que estuviera por exigencias iconográficas ajenas, para desarrollar sus propios ideales de belleza femenina. El resultado es un fresco que funciona simultáneamente como relato bíblico coherente y como catálogo de las principales preocupaciones formales del pintor en ese momento decisivo de su carrera romana.

El sentido teológico de fondo tampoco es casual. Elegir a Moisés como figura paralela a Cristo respondía a un programa doctrinal muy preciso, la idea de que el liderazgo del pueblo hebreo en el Antiguo Testamento prefiguraba y anunciaba el liderazgo espiritual de Cristo, y por extensión, de la propia Iglesia y del papado que la gobernaba. Cada episodio de la vida de Moisés seleccionado para el fresco, la defensa del débil, la protección de los perseguidos, la revelación divina, la guía del pueblo hacia la salvación, encajaba dentro de esa lectura tipológica que convertía toda la decoración de la Sixtina en un argumento visual a favor de la autoridad eclesiástica.

Trabajar codo con codo junto a Perugino, Ghirlandaio y Rosselli, todos ellos maestros de primer nivel convocados por el propio pontífice, debió de suponer para Botticelli un estímulo artístico considerable, una oportunidad de contrastar su propio estilo con el de sus contemporáneos más directos en un mismo espacio y bajo un mismo programa. Esa competencia velada, habitual en los grandes encargos colectivos del Renacimiento, explica en parte la extraordinaria ambición formal que Botticelli despliega en este fresco, uno de los más complejos y mejor resueltos de toda la decoración mural de la capilla papal.